Изготовление герба СССР (Союза Советских Социалистических Республик) из меди с покрытием золотом, серебром, эмалями. Барельефы из металла и гравюры на металле с эмалями по технологиям Фаберже. Изготовление гербов на заказ по эскизу в Москве. Изготовление

Одним из наших перспективных направлений является создание и изготовление гербов, как корпоративных, так и личных. Изготовление корпоративных и личных гербов - является особой отличительной традицией создания геральдических знаков в виде эмблем, символов и узнаваемых черт организаций (корпораций) и частных лиц. Традиция создания личных гербов широко известна со времен средних веков на территории стран Западной Европы. В России данный опыт получил свое развитие только во второй половине ХХ века. В Российской Империи активно практиковалось изготовление гербов только для лиц дворянского сословия. Сегодня личными гербами являются отличительные геральдические знаки, создаваемые для частных лиц различного происхождения. Многие заказчики обращаются с просьбой создать не только личный, но и фамильный герб. Фамильная геральдика прочно набирает обороты. Зачастую, личный герб армигера (как правило, главы семьи) становится своеобразным базисом для создания фамильного герба. Безусловно, традиции фамильного герба заимствованы из родовой геральдики. Но если родовой герб был привилегией дворянских родов, то фамильный герб дает возможность формирования семейной геральдики. Возможны случаи, когда одновременно существует общий семейный герб, а также личные гербы отдельных членов семьи. При изготовлении личных и корпоративных гербов, наши специалисты делают акцент на русские и международные геральдические каноны и правила, используются традиционные геральдические элементы (щит, шлем, клейнод, намет и т. д.) и цвета (финифти, металлы и меха). Мы предлагаем изготовление объемных гербов методом гальванопластики, художественного литья из бронзы расплавленными металлами в формы, что придаст личному, фамильному или корпоративному гербу большую парадность и красоту. Возможно покрытие герба, выполненного гальванопластикой, золотом, серебром, эмалями. Прообраз герба - всевозможные символические изображения на военных доспехах, знаменах, на личных вещах применялись еще в древности. Легендарные герои и реальные исторические личности часто имели личные эмблемы. Шлем Александра Македонского украшал морской конь (Гиппокамп), шлем Ахиллеса - орёл, шлем царя Нумибии Масиниссы - пес, шлем римского императора Каракаллы - орел. Сова - была Эмблемой Афин. В этом уже можно усмотреть зачатки государственной символиики как геральдика. Большинство древних цивилизаций имело в своей культуре некоторые элементы геральдики, например систему печатей или штампов, которая в дальнейшем будет связана с геральдикой. В Ассирии, Вавилонской империи и в древнем Египте печати использовались как удостоверения документов. Такие знаки изготовлялись из глины, вырезались в камне и отпечатывались на папирусе. А в третьем тысячелетии до нашей эры уже тогда существовал "герб" шумерского государства - орёл с львиной головой. ГЕРБ - Орёл станет гербом Рима. Гербом Византии был двуглавый орёл, заимствованный позднее некоторыми европейскими государствами и Россией. ГЕРБ завоевывал всё большее значение в странах Западной Европы. В Англии с XII века герольды пользуются почётом при дворе королей. Эдуард III учредил геральдическую коллегию, существующая и по сей день. Звание герольда становиться почётным. Каждое государство делилось на геральдические марки и герольдов. Например, Франция в XIV веке делилась на 18 таких марок. В Германии отдельные провинции также имели своих герольдов. С XVIII века герольды утрачивают своё средневековое значение...Геральдика - "blason" - проистекает от немецкого "blasen", т.е. "трубить в рог". Рыцарь подъезжал к барьеру проведения турнира и трубил в рог, дабы возвестить о своём прибытии. Герольд выходили и описывал вслух герб рыцаря. От слова "blasen" происходит и французское "blasonner", немецкое "blasoniren", английское "blazon", испанское "blasonar" и русское слово "блазонировать" - то есть описывать Герб. Герольды создали для описания гербов особый жаргон, основанный на старофранцузском и средневековой латыни, так как само рыцарство берёт начало из Франции, населённой франко-германскими племенами. Большая часть геральдической терминологии обозначается квази-французскими, устаревшими словами. В средние века французский язык употреблялся правящими классами в большинстве стран Западной Европы, и поэтому правила геральдики должны были быть составлены на этом языке. "ГЕРБ" скорее всего как русское слово заимствовано из польского "herb" и встречается во многих славянских и германских наречиях (herb, erb, irb) - наследник или наследство. Славянское название этого опознавательного знака прямо указывает на его наследственный характер. На сегодня изготовление герба России — это изготовление основного символа российской власти. Двуглавый орёл символизирует государственность Российской Федерации, её суверенитет, единение народов европейской и азиатской частей современной России. Изготовление герба, как государственной символики Российской Федерации является обязательным элементом обстановки государственных учреждений по всей России. На гербе РФ изображены три исторические короны Петра Великого с золотым двуглавым орлом, поднявшим вверх распущенные крылья. В правой лапе орла — скипетр, в левой — держава. На груди орла, в красном щите, — серебряный всадник в синем плаще, поражающий серебряным копьём чёрного опрокинутого навзничь дракона. Изготовленный герб выполнен на четырёхугольном, с закруглёнными нижними углами заострённом в оконечности красном геральдическом щите. В соответствии с Федеральным конституционным законом «О Государственном гербе Российской Федерации» допускается воспроизведение герба России без геральдического щита, а также в одноцветном варианте. Изготовленные нами гербы выполняют геральдическое оформление государственных и частных учреждений. При работе с нашими клиентами, мы добиваемся максимально возможного качества изделий. Все изготовленные гербы полностью соответствуют закону РФ и точно отображают все мельчайшие детали. Разрабатывая дизайн гербов, наши скульпторы строго следуют канонам геральдики. При изготовлении гербов используются качественные материалы , современные передовые технологии и наши собственные разработки, что позволяет изготавливать гербы, эмблемы, знаки и другие изделия любой художественной сложности. Возникновение гравюры оказалось звеном эволюции изящных искусств: гравюра на дереве берет свое начало от досок для изготовления набивных тканей, резцовая гравюра примыкает к ювелирному искусству, а офорт имеет общее с ремеслом мастеров-оружейников. Отличительное от других видов искусства качество гравюры состоит в том, что она представляет собой оттиск на бумаге. Именно поэтому родиной гравюры является родина бумаги – Китай. Гравюра на дереве возникла в Китае не позднее VI века, по крайней мере, с этого времени встречаются упоминания изготовленных таким образом ксилографических книг. Так бы и существовало множество предположений, если бы не находка в 1900 году в Дунхуане (Западный Китай) в пещере Тысячи Будд знаменитой «Алмазной сутры», которая ныне хранится в British Library. Она датирована 868 годом и указанием, что мастер Ван Чи вырезал доски и напечатал книгу «ради поминовения усопших родителей своих». Именно поэтому даже в словаре В.И. Даля ксилография называется «китайским способом печатанья». Так ныне первая дата в истории гравюры совпадает с первой датой в истории книгопечатания. Однако проникновение гравюры в Европу лишь ненамного опередило изобретение Иоганном Гутенбергом книгопечатания. Первые образцы западноевропейской гравюры, выполненные в технике обрезной гравюры на дереве, появились на рубеже XIV-XV веков. Они были религиозного содержания, что предопределило распространение этого «ремесла»: сначала это была Бавария, Эльзас, провинции Священной Римской империи; затем стали появляться сатирические листки, календари и азбуки. Первая датированная ксилография называется «Св. Христофор», выполненная в 1423 году. Около 1430 года появляются т.н. блочные книги, где текст и иллюстрация печатались на одной доске, а с 1461 года ксилографии начали употребляться в качестве иллюстраций для печатных книг. Техника гравюры на дереве довольно проста: на отшлифованную поверхность доски толщиною около 2,5 см наносится рисунок, после чего линии этого рисунка обрезаются с обеих сторон острым ножом, а фон выбирается специальным инструментом до глубины 2-5 мм. После этого доску можно прокатывать краской и выполнять оттиск на бумаге. Если речь прежде шла о так называемой обрезной гравюре (выполненной вдоль древесных волокон), то в 1780-х годах замечательный английский художник и гравер Томас Бьюик изобрел способ торцовой гравюры на дереве (на поперечном срезе ствола твердых пород). Он сам создал множество шедевров этого жанра – иллюстрации к «Общей истории четвероногих» и двухтомной «Истории птиц Британии». Именно в этой технике в XIX столетии создается множество книжных иллюстраций, которые с добавлением второй тоновой доски назывались политипажами. Наиболее крупными представителями этой техники в России были Лаврентий Серяков и Владимир Матэ. Особняком стоит искусство восточная ксилография. Если ранее она передавала лишь религиозные иероглифические тексты, то в XVII веке в Японии появляются иллюстрированные книги, а с 1660-х годов – гравюры светского содержания. Расцвет японской ксилографии относится к XVIII веку, когда Окумура Масанобу ввёл двух- и трехцветную печать. Крупнейшим мастером конца XVIII века считается создатель идеального женского портрета Китагава Утамаро, а в I половине XIX века создатели замечательных пейзажей Кацусика Хокусай и Андо Хиросиге. Резцовая гравюра на металле появилась в середине XV века. Долгое время считалось, что изобретателем этой техники был флорентийский ювелир Мазо Финигуэрра, первая гравюра которого датируется 1458 годом; но эта теория была опровергнута более ранними экземплярами. И ныне древнейшей резцовой гравюрой на меди считается «Бичевание Христа», выполненная неизвестным немецким мастером в 1446 году. А первым, хотя и анонимным, наиболее заметным мастером резцовой гравюры является «Мастер игральных карт», работавший в Базеле и в верховьях Рейна. В данном случае мастер брал ровно прокованную и тщательно отполированную металлическую доску, на которую посредством ювелирного пунсона наносил рисунок, который затем проходил уже более основательным инструментом – резцом или штихелем. После этого в доску втиралась краска, снимались ее излишки, и можно было печатать лист. Самым замечательным мастером XV столетия является немецкий гравер Мартин Шонгауэр, работавший в Кольмаре и Брейзахе. Его творчество, соединяющее в себе позднюю готику и ранний Ренессанс, оказали значительное влияние на немецких мастеров, в том числе Альбрехта Дюрера. Среди мастеров I половины XVI века стоит, кроме упомянутого А. Дюрера, отметить замечательного Луку Лейденского. Из итальянских мастеров XV столетия наиболее значительны Андреа Мантенья и Антонио дель Поллайоло. В той же Италии в XVI веке возникло направление, предопределившее важную веху в развитии европейской гравюры – это было репродуцирование произведений живописи. Возникновение репродукционной гравюры связано с именем Маркантонио Раймонди, который, работая до конца первой трети XVI столетия, создал посредством резца несколько сотен воспроизведений с работ Дюрера, Рафаэля, Джулио Романо и других. В XVII веке репродукционная гравюра была чрезвычайно распространена во многих странах – во Фландрии, где было воспроизведено множество полотен, особенно Рубенса. Во Франции в это время Клод Меллан, Жерар Эделинк, Робер Нантейль и другие способствовали расцвету репродукционных гравированных портретов. Поскольку как гравюра на дереве, так и резцовая гравюра на меди лишь исключительно в руках выдающихся мастеров представляли собой законченные превосходные произведения, исполненные художественной выразительности и живописности, то в начале XVI века возникает еще один вид гравюры на металле, который стал излюбленным жанром для многих великих художников – это офорт. Основное его достоинство – легкость в изготовлении, чего нельзя сказать ни о резцовой гравюре, ни о ксилографии. Дело в том, что если в двух поименованных техниках нужно прорезать вручную линии на дереве или металле, то в офорте всю эту труднейшую работу выполняет кислота. Металлическая доска (в XVI чаще железная, в XVII-XVIII медная, позднее - цинковая), употребляемая для обычной резцовой гравюры, покрывается специальным грунтом, устойчивым к воздействию кислоты. На доску, посредством острой стальной иглы, проникая сквозь мягкий грунт, наносится рисунок. После этого доска помещается в азотную кислоту (медная – в раствор хлорного железа), и нанесенный иглой рисунок протравляется до желаемой глубины. После этого грунт смывается с доски, втирается краска и делается оттиск. В России раньше гравюра офортом называлась гравюрой крепкой водкой. Особенно стали известны офорты французского мастера первой трети XVII века Жака Калло, воспроизводящие разнообразные, часто красноречивые, сцены современной жизни. Фламандская школа дала искусству прекрасного офортиста - Антониса ван Дейка, чьи портреты являются прекрасными образцами иконографии XVII столетия. Но несомненно, что наиболее ценной и целостной является голландская школа офорта, которая в данном случае соперничает с живописью и нисколько ей не уступает. Эта школа представлена Адрианом Ван Остаде, Паулем Поттером, Херкюлесом Сегерсом… Но первенствующим мастером здесь является Рембрандт, который совершенно самостоятельно, без посторонней помощи, постиг искусство офорта и преодолел все трудности этой капризной техники. Рембрандт оставил более трехсот офортов во многих состояниях. Примерно с середины XVIII столетия, как это ранее произошло и с резцовой гравюрой, появляется отдельное направление репродукционного офорта. Практически все увражи и книжные иллюстрации середины-второй половины XVIII века выполнены в этой технике. Но если репродукционный офорт был в своем роде массовой продукцией для XVIII века, то оригинальный офорт продолжил свое существование и являлся «отдушиной» для многих художников-живописцев. Большую известность получили работы Франсиско Гойи, Джованни-Баттиста Тьеполо, Каналетто, Антуана Ватто, Франсуа Буше и многих других. Особняком стоит творчество архитектора и гравера Джованни-Баттиста Пиранези, который был, пожалуй, самым выдающимся офортистом этого века, который оставил много томов увражей с видами Рима, римских древностей, и даже темниц. Если в XIX столетии, под воздействием новых печатных техник искусство офорта угасает, то к концу столетия оно расцветает с новой силой, причем уже не носит характера «иллюстрации», а воспринимается современниками как целостное художественное произведение. К офорту обращаются почти все знаменитые французские живописцы, начиная с барбизонцев (Камиль Коро, Шарль-Франсуа Добиньи и прочие), и заканчивая импрессионистами (особенно Эдуард Мане). Также многие из стран привнести в искусство офорта знаменитых мастеров: Андерс Цорн в Швеции, Адольф Менцель в Германии, Джеймс Уистлер в США, Иван Шишкин и Валентин Серов в России. Кроме офорта как такового, этот вид эстампа приобретает в XVIII столетии еще несколько разновидностей, причем иногда в одном произведении мы можем наблюдать сочетание нескольких офортных техник одновременно. Наиболее распространенной из них является акватинта – когда доску протравливают через нанесенную канифольную или асфальтовую пыль. Такое травление создает при печати эффект тонового рисунка, более всего при однотонной печати напоминающего гризайль. Дополнение акватинты к четкому, даже иногда резкому своими очертаниями чистому офорту, придает гравюре живописность и напоминает рисунок или акварель. Среди первых, кто начал использовать акватинту, был француз Жан Батист Лепренс – создатель знаменитых «Русских типов», а также Франсиско Гойя, использовавший ее в своих Капричос. Именно Лепренс изобрел и еще одну дополнительную офортную технику – лавис. В этом случае изображение наносится смоченной в кислоте кистью прямо на доску. При отпечатке исполненные лависом фрагменты офорта являются как бы промежутком между чистым офортом и акватинтой. Еще одна офортная техника, которой мы уделим внимание – это мягкий лак. При ее употреблении офортный грунт смешивается с жиром (из-за этого он легче отстает от доски), после чего на него накладывается зернистая бумага, по которой художник наносит свой рисунок карандашом достаточной твердости. Поскольку карандаш создает некоторое давление, грунт по линии рисунка пристает к бумаге, и затем снимается вместе с ней. Получившаяся доска с удаленными таким образом линиями рисунка подвергается обычному офортному травлению, и затем печатается. Этот способ был известен еще в XVII веке, но более как курьез, а применение он нашел только в XIX и, особенно, XX веке. Исполненная таким образом гравюра более всего напоминает рисунок углем или соусом. Наиболее известные мастера мягкого лака – Владимир Фалилеев, Елизавета Кругликова, и конечно Кэте Кольвиц. Если мягкий лак техника довольно резкая и даже иногда грубая, то для воспроизведения рисунков в XVIII веке употреблялась так называемая карандашная манера. Здесь по подготовленной офортной доске рисунок наносится специальными рулетками, а полученный в результате оттиск зачастую можно спутать с рисунком сангиной или пастелью. Наибольшее число гравюр карандашной манерой выполнены во Франции в середине XVIII века и воспроизводят по преимуществу рисунки Франсуа Буше. Изобретателем этой техники является Жан Шарль Франсуа, которую затем усовершенствовал Жиль Демарто. В гравюрах разнообразными офортными техниками зачастую встречается и пунктир. А между тем это одна из древних гравюрных техник, известная как немецких, так и в итальянских землях еще с конца XV века. Изображение на гравировальную доску наносится посредством молоточка и разнообразных стальных инструментов – пунсонов. Гравюра пунктиром достигла расцвета в XVIII веке, а одним из самых даровитых мастеров является Франческо Бартолоцци, работавший много в Англии, и обучавший первого русского гравера пунктиром Гавриила Скородумова. Что же касается офортного пунктира, то это, по сути, просто не линии, а точки, нанесенные офортной иглой. Прежде чем приступить к рассказу о цветных гравюрах, мы должны рассказать еще об одной гравюрной технике. Речь идет о так называемой черной манере, называемой меццотинто. Черная манера имеет принципиальную особенность: изображение наносится и соответственно печатается не от белого к черному (когда краска заполняет желобки от резца или протравленного рисунка), а от черного к белому. Доска прежде обрабатывается специальным инструментом (гранильником), и если ее отпечатать в таком виде, то выйдет черный бархатистый оттиск. Гравер же сглаживает нужные ему участки, куда не пристанет краска, и где при оттиске получатся светлые места. Как часто бывает, расцвет черной манеры произошел не там, где она была изобретена. Изобретателем ее является голландец Людвиг фон Зинген, который выполнил в 1642 году свою первую гравюру в этой технике. Меццотинто на немецких и голландских землях развивалась до середины XVIII столетия; примерно в то же время она стала известна в Англии, где и получила свое блестящее распространение в середине XVIII - начале XIX века, в результате чего ее иногда даже называют английской манерой. Из нескольких наиболее крупных имен мастеров этой техники в России прославился Джемс Уокер – автор множества превосходных портретов. Теперь мы расскажем о цветных гравюрах. Они, как и классическая гравюра, могут быть выполнены как на дереве, так и на металле. Печатаются они с нескольких досок, что собственно и рождает цветное изображение. Цветная гравюра на дереве зародилась в самом начале XVI века. Довольно долго изобретателем ее считался северо-итальянский гравер Уго да Карпи: поскольку тогда в Венецианской республике можно было запатентовать свое изобретение, то он заявил об этом в 1516 году, назвав технику печати Кьяроскуро. Хотя такая техника употреблялась в Европе и ранее: с 1506 года цветные гравюры с нескольких досок печатал Лукас Кранах, а затем Ганс Бургкмайр и другие художники. И хотя Италия не может отстоять право изобретения цветной гравюры на дереве, она может по праву гордиться наилучшими образцами этого искусства. Именно Уго да Карпи создал превосходные композиции с оригиналов Рафаэля, а также других итальянских художников: Джулио Романо, Караврджо, Пармиджанино и прочих. Так XVI столетие дало нам самых лучших мастеров кьяроскуро; в XVII веке эта техника в Италии начала угасать, и практически выродилась к XVIII столетию. Возрождение цветной гравюры на дереве началось в конце XIX-начале XХ века. Здесь мы можем отметить таких мастеров как швейцарец Феликс Валлотон, а также русских – Анну Остроумову-Лебедеву, Владимира Фалилеева и Ивана Павлова. Что же касается цветной гравюры на металле, то еще в XVI веке мы отмечаем ее робкие попытки, даже правильнее сказать опыты. Именно печатанием цветного листа с нескольких досок около 1710 года занялся житель Голландии Жак Кристоф Леблон. Изначально он был гравером черной манерой, и, оставаясь сторонником трехцветной печати, использовал для нее три меццотинтные доски с разным цветом. Но все опыты с цветной гравюрой на основе меццотинто оказались малоуспешны. И Только во Франции, с применением офортных досок, выполненных акватинтой и лависом, цветная гравюра начинает полноценное существование. На этой ниве работал и все тот же поклонник русских типов Жан Батист Лепренс – истинный подвижник и испытатель офортной доски. Но изобретение цветной лависной гравюры принадлежал Франсуа Жанине, а высшего совершенства она достигает в руках Луи Филибера Дебюкура, который с 1785 года целиком посвятил себя цветной гравюре. Количество досок в его цветных гравюрах доходило до восьми. Цветные французские гравюры этого периода по большей части замечательны и ценны. Но все труднейшие техники XVIII столетия – меццотинто, сложные офорты и резцовые гравюры - в начале XIX столетия подверглись жесточайшему удару: немец Иоганн Алоиз Зенефельдер изобрел около 1798 года в Мюнхене совершенно новый способ печати – литографию. Это способ, относящийся к плоской печати, основан на отталкивании жиров от воды. Оттиски получают посредством переноса краски под давлением с печатной формы – литографского камня (известняка) – на бумагу. Изображение на камень наносится жирной тушью или литографским карандашом. Причем тираж при этом способе печати мог по числу оттиском во много раз превосходить все существовавшие на то время способы печати эстампов. В 1806 году Зенефельдер открыл в Мюнхене первую литографскую мастерскую, и издал в 1818 году руководство по литографии, а в первой четверти XIX века практически во всех крупных европейских столицах заработали подобные мастерские. Этому, конечно, способствовал промышленный переворот, из-за которого столь легкий, относительно дешевый и одновременно тиражный способ стал настолько популярен. Среди первых литографов, кроме самого Зенефельдера, кстати, совсем не художника, а актера и автора музыкальных пьес, можно отметить имена знаменитых немецких художников Франца Крюгера и Адольфа фон Менцеля. Также к литографии обращались Франсиско Гойя, Теодор Жерико и Эжен Делакруа. Литография в середине XIX столетия стала острым политическим орудием. Именно в этом контексте представлен крупнейший мастер литографии – французский карикатурист Оноре Домье, искусство которого имело столь высокий резонанс, что даже в России во II половине века работало несколько крупных литографов-карикатуристов: Александр Лебедев, Петр Боклевский, Николай Степанов. Что же касается русских литографов первой половины XIX века, то, как и за границей, к этому новому искусству проявили внимание прежде всего крупные русские художники – Алексей Орловский, Орест Кипренский, Алексей Венецианов. Крупнейшими русскими мастером-литографом этого времени был Карл Петрович Беггров. Благодаря своей масштабной издательской деятельности прославился Василий Тимм, оставивший много сотен листов разного качества, но чрезвычайно любопытных по содержанию, нередко перерастающих в карикатуры. Литография в России стала и первым способом цветной печати. В этой технике прекрасный мастер Игнатий Щедровский издал в 1845 году «Сцены из русского народного быта». В связи с литографией возникает множество разновидностей плоской печати, особенно это касается наиболее востребованных в последней трети XIX – начале ХХ века цветных изображений. Эти техники постепенно удаляются от непосредственно оригинальной работы художника, которая ныне именуется автолитографией, и переходят в разряд многотиражной графики. Хотя сейчас, в начале XXI века, многие даже многотиражные печатные произведения представляются замечательными образцами графического искусства.